序
墨通心迹，悟得艺魂；情寄笔端，方能动众。2026时序新启，邀约百位当代艺坛名家，汇其丹青笔墨，辑成此集。既展诸家艺术之所长，亦续中华文脉之悠长，更以“妙悟传情”之旨，搭建起艺术与观者的心灵桥梁。
“妙悟”者，非寻常观感，乃澄心观物、融古通今之彻悟也。诸艺家秉持“外师造化，中得心源”之训，于山川丘壑中悟天地气象，于草木生灵中悟生命真机，于人文风物中悟岁月沉淀。其作或承古法而不泥古，于笔墨法度中见新意；或开新风而不悖本，于灵动构图中藏哲思，每一笔皆是感悟凝聚，每一划皆为灵性迸发。
“传情”者，非浮浅闲愁，乃寄赤诚之心、抒时代之怀也。艺术无情则无魂，百位艺家以笔墨为舟，载守艺之诚、人文之暖、时代之思。或于朴拙线条中传匠人初心，或于清雅色彩中抒文人情怀，或于大气构图中映时代风貌，作品虽风格迥异，却皆情真意切，足以让观者动容共鸣。
此集所录，是百位艺家妙悟后的心血结晶，亦是当代艺术风貌的生动切片。愿诸君欣赏之时，能于笔墨间品悟艺家之心境，于气韵中感受文化之厚重，于真情中寻得精神之慰藉。谨以此序，敬祈诸君雅赏。
何家英题
“时流”两个字，拆开了就是时尚和潮流。我想它该是肤浅和浮泛的。国画界的“时流”，早些年，有人概括为：“常习于已成策略盈，趋风于众慕。”前者是模仿古人，下笔就是古人的程式，并且大模大样地自诩为继承传统，其实已丧失了起码的艺术感觉；后者是追随洋人，满纸都是洋人的观念，同时装模作样地宣称自己创新开派，其实已没有任何理路可言。两者的方向相反，而且自为格局，势如水火，但本质上是一致的：都得皮相而入时流，与传统和创新毫无关系。
我想，进入传统和创新开派其实是一回事，或者说是一事而两步，哪一个都不能丢，丢了一个其实也就丢了另一个，真有传统者总想为创新开路，真求创新者不会拿传统祭刀。
人们一提传统，就只讲民族本位；一讲创新，就只提西洋东洋。我总觉得这是个天大的误会。不同的文化背景，自有不同的传统，也有各自的创新，它们发生碰撞、互相影响、彼此融合，就会形成一个大传统，产生无数新造。当然，这中间有一个“体用”问题：立足本民族之体，巧取东西洋为用。作为一个中国画家不应该顾此失彼，而应该从容对待，既不画地为牢，也不盲目追随。
我的这一思路，既是对时尚潮流的反思，也是对自己创作的要求，即要求把思路化为笔痕。基于此，必须沉潜下来，埋头虚心，力求在“大传统”中获得滋养。准确地说，是想在东西方不同的传统中探求相同的规律、彼此的契合点。
我特别喜欢那句名言：“西来意即东土法。”于是深信：中国画，至少是中国工笔画，其精神意度、方式方法，在很大程度上是可以容纳两画的。当然，这里大体上是指晋唐画风。晋唐画风能达到雄浑雅健、造型饱满、高逸充盈、朴素自然这样高的水准，原因何在？除了才气、学养、心态，是不是原生的深刻的直觉感受起了重要作用呢？
我在想，晋唐人所创立的艺术范式是从切身的感受中生发的，其间一定经历了反复观察、审视、理解和提炼的艰苦过程。明清以降和二十世纪六十年代末至二十世纪七十年代末，这两个时期的工笔人物画都与晋唐无关，甚至都走向了反面。前者纤弱而萎靡，后者空洞而矫饰。
我们有一个伟大的传统，却被轻弃；我们还有一个惰性的“传统”，却被继承。惰性的传统使我们把晋唐的传统简化为一个形式套路，一个抽去了内涵的外壳，这真荒谬。所以一定要回归，回到晋唐，继承优秀的传统。
其实，我们对西画传统的“借鉴”也是有惰性的。五花八门的“主义”，莫名其妙的“观念”，都被“拿来”；“现代性”还未完成，又“后现代”地“解构”了。只做表面文章，不管实质问题，这不正是惰性的表现吗？所以，我觉得与其接受那些大而无当的观念，不如借鉴些具体方法解决问题。西画的观察、审视、理解和提炼，和晋唐传统并无二致策略盈，可对应、契合。很多的西画作品能更直观地给我们实践上的参照，这种实实在在的启悟益人神智。
而上述两者，单靠把玩套路或借鉴“主义”是意识不到的，相应的问题也解决不了，而有一个大传统的价值支撑则很容易在本质上把握，从而走上正途，至少不至堕入迷途。
我意在表明，表面上是两个传统，本质上则是一个规律，这个规律恰恰就在相互碰撞、影响、融合中呈示清晰：要概括性而非概念化，要充实充分而非僵化。不囿于一个狭窄的视点，使眼光扩大；不拘于一个狭隘的观念，使思想自由；不溺于可悲的惰性，而勇于发现；不空谈花哨的“主义”，而脚踏实地。在比照中思考，在观察中发现，就能深入本质而导引实践，就会使工笔人物画开出新生面，获得新境界。
说到境界，自然想到工笔人物画的风格问题。工笔人物画要有境界，立意之外，绘画语言最为关键，语言不应被单纯看成一个技巧问题，它以画家的才情、格调、心智为支撑。琐碎、僵滞、纤弱、繁缛，这些“工笔病”统统被称为“匠气”，它们最终还是“人”的病。
我以为，深情、高格需用心养，用心不深，下笔即俗。相反，养心为用，其格必高，格高就有境界，所画就不小气。工笔画的语言，我体会，上乘是平和、含蓄、不抛不露，它是中庸有度的，特要祛除琐碎，要有大的感觉，故要有主势，有整体的韵律；要有笔意，使之有生机，既要坚实，又要灵透。除此之外，其意境还应从人物造型本身生发，从造型中体现出一种引人入胜的韵致，通过眼睛揭示出人的精神本质。我的画，偏重于女性描绘，这其实很难，因为容易“俗”。原因是，这种题材，作者和读者都极易堕入一种思维定势：把女人当美人看。女人一变而为美人，其原有的丰富和自然健康的内涵就被弃置，代替的是矫饰和做作的外观，于是就千手雷同，千人一面，西施、王嫱长得一样，秦娥、赵姬了无区别，特别概念，也特别俗气。我很警惕，也一直规避这种取向。必须求异，要充分刻画，从外在形象到精神气质，体会其微妙之异。古人讲“摄生动质，凝神空照”，即从形到神完整地揭示出对象。而这种生、质、神、照，又绝非纯客观的描画，更多的则是主观的赋予，这并不矛盾。法国文学家法朗士说：“关于但丁，关于莎士比亚，我讲的是我自己。”就是说，他讲的但丁、莎士比亚是他自己观照下的但丁、莎士比亚。循此我也可以说，我笔下的对象是我内心世界的表达，我必须要赋予对象以我的思想、感情、格调，这才是我的画。
比如，不管我所画对象多么不同，但她们一例都有一种高洁的气质、伤感的情绪，而我的人生体验里，总觉得这是最美的，或者说，在我的审美理想中，有一种情操上的取向，而我将其赋予她们。
将这些想法写出来，目的在于给读者树一个箭垛，接受不同方向的批评，用以指导我将来的创作实践。下一步，我将要做的工作是将“衡中西以相融”继续深化，或可叫“权工写以相合”。我一直有一个愿望，工笔人物画不仅要大方，而且要大气，要味厚、力厚，浑然有势，我甚至想把古代壁画的一些效果引入，即尽可能地使工笔人物画的气象宏大起来。当然，这仅仅是些想法，接下来的问题是如何按照上述想法画出画来，把思路化为笔痕。
（文/何家英，原文刊载于《中国民族博览》来源：名人录）
作品欣赏
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（来源：名人录）
艺术家简介
“澄澜绘世·何家英艺术世界展”今日在京开展，展期至11月23日
何家英，1957年出生于天津，汉族，无党派人士。1980年毕业于天津美术学院后留校任教。曾任第九、第十、第十一届全国政协委员、中国美协副主席、天津画院院长、天津美协第一副主席、中国工笔画学会副会长、中国艺术研究院工笔画院院长；现任中央文史馆馆员、华鼎国学基金会理事、工笔画学会名誉院长、中国艺术研究院博士生导师。曾获国家“有突出贡献的中青年专家”、中国文联“德艺双馨文艺工作者”、中宣部“四个一批”文艺人才等荣誉。享受国务院津贴。
何家英的人物画，特别是他的工笔人物画将古老的晋唐工笔画传统与西方绘画相融合，立足于中国文化文脉，在西方人文理想与中国传统精神审美之间，建构起一个既有传统文化传承又具有时代审美特征的新型工笔画语言。他关注当下现实生活，表现当代人的心灵诉求，他以当下女性为主要表达对象，以创造性的写实手法，表达出优雅、纯净、美好的高尚境界。在新的语境下完成了中国人物画从古典到现代形态的转型。他创造了一个审美典范，他对中国当代文化建构和对30年来的中国美术发展产生了重大影响。在国际上也产生着正面影响而备受瞩目。从1980年大学毕业开始，他创作了一系列代表当代最高水平的工笔人物画，其代表作品有:《山地》《十九秋》《米脂的婆姨》《酸葡萄》《魂系马嵬》《秋冥》《舞之憩》、《杨开慧》、《毛泽东北戴河吟诵图》等。
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